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Coleccionismo de arte: Los artistas

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"Los artistas ven lo que a simple vista parece escondido; aprender a entender su mirada es muy importante." HPA

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En el texto anterior hablamos del coleccionista: de lo que hace, del efecto de sus decisiones y de la responsabilidad que implica participar en el mercado. Toca ahora la otra mitad de esa relación: quien produce la obra.

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Los creadores tienen un papel inobjetable, pero es importante resaltar que no lo hacen únicamente a través de sus obras y exposiciones; también fungen como embajadores culturales, agentes de cambio que impactan en sus sociedades.

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Por ello, al momento de adquirir una obra, ya sea para iniciar o para enriquecer una colección, es importante prestar atención a los artistas que elegimos, procurando tener un equilibrio entre la calidad estética y técnica de sus creaciones y elementos igualmente importantes, como la trayectoria y la proyección, se trate de un joven talento o de un maestro consolidado.

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1. Trayectoria

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El primer paso es analizar el camino que ha recorrido un creador, desde puntos generales como edad, estudios, becas, premios o distinciones, exposiciones, publicaciones, obras en colecciones privadas, las galerías que lo han representado y los proyectos que ha desarrollado.

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Con esa información podemos saber si su producción ha sido constante, la evolución de su técnica y lenguaje y, consecuentemente, reconocer su formalidad y posicionamiento. En este punto podemos validar si se trata de un artista emergente o de un maestro. Hacer la investigación nos permite saber si estamos revisando un artista local o si su obra ha trascendido fronteras, y si fue así, analizar los lugares en los que ha tenido difusión, cuál es la demanda por sus piezas y qué exposición mediática ha alcanzado su trabajo. Todo ello ayuda a entender mejor cómo se construye el valor y el precio de su obra.

 

2. Proyección

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Como segundo paso, es importante conocer hacia dónde se dirige el artista que vamos a elegir; es decir, en qué punto de su carrera lo estamos conociendo. Para ello hay que analizar elementos de su presente: sus proyectos actuales y futuros, la madurez de su lenguaje plástico, su capacidad técnica y si posee el conocimiento necesario para identificar el potencial expositivo de su obra.

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Al examinar su pasado y su presente es posible trazar una línea imaginaria de lo que podría llegar a suceder con el artista. Es un ejercicio que exige objetividad, mucha información y tiempo de seguimiento, y que regularmente realizan las galerías al momento de elegir a los artistas que representan y los buenos museos al organizar su agenda expositiva.

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3. El artista como persona

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Aun después de una evaluación de este tipo, queda un elemento que ningún historial documenta: es indispensable conocer al artista, su entorno, sus costumbres y, sobre todo, su personalidad.

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Existen creadores que funcionan excelentemente como embajadores de su propia obra. Sostienen un discurso claro sobre lo que hacen, cumplen los compromisos que asumen, respetan los precios acordados y entienden que su carrera se construye junto con las instituciones y las galerías que la acompañan. Hay otros que, con el mismo talento, deterioran su trabajo por mal manejo, informalidad o falta de ética profesional: piezas que se venden por debajo del precio establecido según con quién se negocie, compromisos expositivos que no se cumplen, obra entregada sin documentación, o una relación con el mercado que erosiona la confianza que su propio trabajo había construido.

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Para un coleccionista, esta es la dimensión más difícil de evaluar, porque no aparece en un currículum ni en un catálogo. Se conoce con trato directo y con tiempo. Y es justamente lo que una galería que representa a un artista durante años sí puede observar.

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Un patrón que hemos observado a lo largo de estos diez años es el del artista que conquista por completo su mercado local. Su obra entra en las colecciones más importantes de la ciudad, expone en los recintos de mayor prestigio y alcanza precios altos. Hasta ahí, todo indica una trayectoria exitosa.

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El problema aparece después. Al sentirse plenamente reconocido dentro de ese círculo, el artista comienza a espaciar sus exposiciones y a desestimar oportunidades fuera de su territorio, mientras los coleccionistas de la zona absorben casi toda su producción. Se forma así un mercado cerrado sobre sí mismo: la obra circula, se vende y se cotiza, pero no viaja. Y cuando finalmente sale compite con creadores cuyo trabajo ha sido avalado en circuitos más amplios, y el precio construido en lo local no siempre encuentra respaldo fuera.

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No es un problema de calidad, sino de alcance. Y romper esa frontera es justamente parte del trabajo que corresponde a una galería: sostener la presencia del artista más allá del territorio donde ya es reconocido, aunque en el corto plazo resulte más cómodo para todos quedarse dentro.

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4. El artista más allá de su obra

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En 1975, un maestro de dibujo de casi cincuenta años montó su primera exposición individual en una galería de Cuernavaca. Rufino Tamayo asistió. Lo que hizo después es lo que interesa aquí: recomendó a sus propios coleccionistas que compraran esa obra, pidió a la galerista Estela Shapiro que la representara e impulsara, y al año siguiente firmó el texto del catálogo de la exposición que ella organizó.

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Tamayo actuó genuinamente como un promotor del circuito artístico. No modificó su propia producción ni incrementó sus exposiciones con ese gesto; avaló ante su círculo a un desconocido de cincuenta años y con ello pasó a formar parte de la historia de Rodolfo Morales.

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Algo similar ocurre con las acciones del maestro Francisco Toledo. Fundó el Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca, el Museo de Arte Contemporáneo, la Casa de Cultura de Juchitán y el Taller Arte Papel; destinó su beca de creador emérito a becar a jóvenes con escasos recursos y después renunció a ella pidiendo que se redistribuyera entre creadores oaxaqueños. Nada de eso ocurrió en su taller y, sin embargo, forma parte de su legado.

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No sabemos qué pensaban al hacerlo. Lo que sí podemos observar son sus resultados: un artista sostenido por un ecosistema (talleres, museos, coleccionistas, otros creadores) tiene mayores posibilidades de tener una carrera sólida que uno aislado, aunque ambos pinten igual de bien. No es lo mismo ser el mejor pintor de un lugar donde el arte apenas existe que serlo en un territorio donde hay escuela, público y circuito.

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Para un coleccionista es importante saber que un creador forma a otros, abre espacios, participa en la vida cultural de su entorno, pues significa que está haciendo algo que repercute en su legitimidad y en la permanencia de su trabajo.

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Conocer al artista ofrece una ventaja a quien se acerca al coleccionismo. Es sumamente interesante adentrarse en sus intenciones plásticas, su creatividad y sensibilidad. Para ello resulta importante asesorarse con galerías reconocidas y confiables, capaces de compaginar las necesidades y preferencias de cada coleccionista con las características de los artistas y sus trayectorias.

 

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Helio Pareja Amador​​

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* Fuentes consultadas: Confabulario, El Universal, "Rodolfo Morales: pinceladas oníricas de Ocotlán". Secretaría de Cultura, "La otra faceta de Francisco Toledo: un luchador social incansable". La Jornada, "Francisco Toledo renuncia a la beca de creador emérito", 1 de diciembre de 2018.